Nueva exposición doble en galería Out of Africa del 22 de abril al 28 de mayo, con con Moses Zibor y Opeyemi Olukotun.
Sueños Hiper Surrealistas
Moses Zibor
Moses Zibor, nacido y criado en Lagos, Nigeria, y radicado en Almaty, Kazajstán, es tan enigmático y místico como las figuras y temas que representa en sus retratos hiper surrealistas.
Antes de su nacimiento, recuerda una historia que le contó su madre, en la que una anciana conocida por su don de profeta le informó que daría a luz a un «niño especial con muchas manos» que tendría el don de inspirar y animar a otros a soñar y perseguir su propósito. Fiel al decreto inquietante de la anciana, las obras de otro mundo de Moses encantan a sus espectadores con sus elementos sobrenaturales e invitan a ver más allá del mundo natural y físico, y adentrarse en los reinos de lo invisible y desconocido.
Si bien el artista se destacó en las artes visuales durante su infancia y adolescencia, y posteriormente fue el mejor de su clase en el prestigioso Colegio de Tecnología de Yaba, que cuenta con uno de los principales departamentos de arte de Nigeria; reconoció por primera vez su talento innato para el arte a los 7 años, coincidiendo con sus primeros recuerdos de los sueños hiper surrealistas que tenía y que aún sigue experimentando en la actualidad.
La naturaleza abrumadora y profunda de estos sueños, producto de una imaginación hiperactiva que ha trascendido y perdurado desde la infancia, es evidente en los motivos recurrentes del agua en las pinturas del artista. En varias de sus obras, como «Sueño Infinito», las figuras del artista están sumergidas y suspendidas en el agua, rodeadas de criaturas acuáticas y motivos como fuentes y peces. Esto es un claro homenaje a la naturaleza etérea de sus sueños, en los que el hombre puede sobrevivir y prosperar bajo el agua, pero también a la mística africana presente en su obra, que hace referencia a cuentos populares y fábulas como Mami Wata, el mundo de los espíritus acuáticos y sirenas negras.
En otras obras del artista, transmite un llamado más universal y humanista a perseguir los sueños y ambiciones propias.
Otro motivo recurrente en sus pinturas son los balones de fútbol, así como los hexágonos en el fondo de su obra, que también evocan el patrón clásico de los balones de fútbol con el que el artista estaba familiarizado en los años 80 y 90. En obras como «Inmigrantes en la URSS», «Solo los sabios» y «Un hombre y sus libros», la referencia al fútbol habla directamente del amor personal del artista y su búsqueda del fútbol como profesión y pasatiempo, una pasión que lo llevó a dejar Nigeria por primera vez para ir a Kazajstán, donde ahora perfecciona su arte.
El acto de dejar Nigeria en busca de pastos más verdes y perseguir los sueños se conoce como ‘Jakpa’ en el idioma Yoruba, que se traduce vagamente como ‘correr duro’. En el caso del artista, su partida de Nigeria hacia un país desconocido, una cultura y un estilo de vida desconocidos, a través del fútbol, dejó una huella indeleble en él, lo cual nos recuerda constantemente a través de los motivos de fútbol en su obra.
Con las propias palabras del artista, en un mundo de caos, confusión y conformidad, él quiere que los espectadores de su obra sueñen y se inspiren para vivir una vida fuera de lo común y ordinario, y no aceptar el statu quo. En su búsqueda por entenderse a sí mismo, el mundo en el que vive y, de hecho, el mundo en el que no quiere existir, Moses toma una página del libro de los maestros modernos como Frida Kahlo y Salvador Dalí.
En homenaje a Frida Kahlo, las obras de Moses incluyen autorretratos de sí mismo como la musa y el sujeto que trata de conocer mejor en un mundo de incertidumbre y pérdida de identidad. Invita al público a verse a sí mismos en su obra e intentar descubrir quiénes son y quiénes deberían ser realmente. Más significativamente, después de una pausa de siete años en la pintura después de su breve experiencia como futbolista, el artista se sintió atraído por la libertad y la naturaleza fascinante del surrealismo de Salvador Dalí, lo cual reavivó su temprano amor por el arte y culminó en el estilo y la práctica que ha abrazado y dominado hasta la fecha.
Encantadoras, fascinantes y místicas en composición, paleta de colores y estilo, las obras de Zibor son estéticamente complejas y técnicamente fuertes, retratando a un artista que no solo ha dominado su oficio a lo largo de varios años, sino que también ha investigado a fondo los temas, motivos y narrativas que sustentan su obra.
Raphael DAPAAH
Art Consultant, Art writer, Art Curator
OOA GALLERY London
Experiencias de Vida
Opeyemi Matthew Olukotun
Navegando distraídamente en Instagram, mi mirada fue inmediatamente atraída por un retrato pintado por un artista desconocido, pero que parecía tan obviamente real y presente a pesar de la estrechez de la pantalla del smartphone que lo recordé. Más tarde descubriría que su autor era Opeyemi Matthew Olukotun, un joven y talentoso pintor nigeriano.
He visto otros retratos pintados por él. Aunque nunca se parecen entre sí, indudablemente forman parte del mismo conjunto que es identificable visualmente gracias a ciertas características cuya suma es lo que se llama estilo.
Generalmente pintados en acrílico, en lienzos grandes y bastante cuadrados, estas obras destacan el rostro y solo el rostro el cual ocupa gran parte de la superficie, excepto cuando se desborda del lienzo.
Estos retratos forman parte de las obras «paradójicas» de Olukotun que, aunque dan la impresión de un realismo perfecto, toman prestado artificio y falsa pretensión de técnicas que permiten lograr un resultado más evocador que real.
Si vamos más allá de la primera percepción visual, nos damos cuenta rápidamente de que el artista juega muy hábilmente con sombras y transparencias, sólidos y vacíos, reminiscencias de color, líneas borrosas o, por el contrario, con una línea muy clara; en resumen, un conjunto de procesos bastante notable que permite a Olukotun obtener los resultados que desea.
Más allá de la simple representación de personas que no sabemos si son reales o anónimas, es sobre todo un retrato de la esencia de estas personas lo que el artista pretende pintar. El título de las obras, que a menudo constituyen una serie, lo confirma claramente: «State of mind», «Thinking» o «Feeling». Opeyemi Olukotun lo dice él mismo: «Mis obras celebran a los seres humanos, sus sorprendentes expresiones faciales, sus gestos corporales, su entusiasmo por su trabajo, sus actividades de comportamiento y sus pasiones».
Con estos retratos que suceden a varias series anteriores (serie «Okada»; serie «Night»; serie «Market» y rostros), el artista demuestra su gran maestría técnica. Y no debemos sorprendernos cuando se declara apasionado y verdaderamente un maestro del dibujo. Solo un dibujante experimentado puede tener una maestría de formas y expresiones tan impresionante.
El artista dice que está fascinado por la anatomía humana y es apasionado por dibujar sus diferentes aspectos: movimientos, expresiones faciales, proporciones, etc. Su paleta de colores es armoniosa y bastante unificada, aunque provoca «rupturas» con manchas y líneas que crean un contraste visual que, como explica, pretenden provocar diálogo y conexión alrededor de ellos.
Todos sus personajes llevan cubiertas en la cabeza (boina militar, pañuelo, sombrero de paja toquilla) sin una explicación particular.
Más que nada, es su deseo de entender el estado de ánimo, la condición psicológica del sujeto lo que demuestra su originalidad y, sobre todo, su fortaleza. El artista nos dice: «Me aseguro de que los rostros que pinto representen a las personas que pretendo pintar. Cuando pinto el rostro de un soldado, por ejemplo, debe parecer el rostro de un soldado, no de un agricultor. Me aseguro de prestar atención a lo que hace que los rostros humanos sean diferentes basándose en sus experiencias de vida».
Estas experiencias de vida se pueden leer no solo en las miradas, sino también en la fisonomía, el rendimiento de la piel y sus tensiones, la iluminación, la vibración que los recorre. El artista afirma que este trabajo, esta obra de colores, permite «cuestionar la percepción, la perspectiva y los supuestos». Nos sorprende querer contar la historia de vida de cada uno de sus sujetos porque ahí podemos leerlo todo, el orgullo, el aburrimiento, la emoción, el miedo. Del mismo modo, una forma de melancolía domina, no sabemos si pertenece al creador o a sus sujetos y, en este último caso, por qué los elige…
Los espectadores desean desafiar al artista para pedirle que represente esta o aquella expresión del alma y no tengo dudas de que Olukotun es perfectamente capaz de hacerlo. En cualquier caso, su evolución hacia la pintura de retratos ha sido elogiada por sus seguidores y críticos, y los entendemos sin dificultad.
Opeyemi Olukotun nació en Ipetu Ijesha, estado de Osun, Nigeria en 1989. ¡Tiene solo 33 años! Se graduó de la Universidad de Tecnología Ladoke Akintola, Ogbomoso, estado de Oyo, Nigeria, con una licenciatura en Bellas Artes en 2012, luego comenzó su carrera como maestro de arte creativo en una escuela secundaria superior. En 2016, después de algunos años enseñando, decidió dejar esta carrera administrativa y vivir a tiempo completo de su creación artística. Ha participado en varias exposiciones colectivas y concursos en Nigeria, pero esta exposición es su primera exposición individual fuera de su país.
Olukotun sin duda tiene el material y el espíritu para estar entre aquellos que contarán en el arte contemporáneo en los próximos años.
Sylvain SANKALÉ
Art Critic
Dakar, Senegal
