Sis artistes figuratius africans que has de conèixer, una nova exposició a OOA Gallery, col·loca la pintura figurativa negra a l’avantguarda del discurs sobre l’art contemporani.
L’exposició presentarà el treball de sis pintors del continent africà, incloent-hi Oluwole Omofemi, Ebenezer Akinola, Oliver Okolo, Opeyemi Matthew Olukotun, Daniel Onguene i Boris Anje (Anjel). Els sis artistes visuals utilitzen la pintura figurativa per interpretar el món que els envolta, per crear tendres representacions que expliquen històries sobre els mons interiors dels seus subjectes.
Del 9 de desembre 2023 al 7 de gener 2024
Inauguració el 9 de desembre a les 19:30h amb còctel de cava i cançons de Gospel en viu per Marlène Diva
L’Art Figuratiu: Més Viu que Mai!
Sis Artistes Figuratius Africans que Hauries de Coneixer.
Per Isis Davis-Marks
De vegades, observem pintures figuratives per entendre’ns millor a nosaltres mateixos. Visitem museus i galeries per veure retrats que semblen mirar-nos, connectant amb ells en un intercanvi silenciós, una negociació no verbal. La Mona Lisa (ca. 1503–19) sembla burlar-se de nosaltres amb un somriure condescendent; a Las Meninas (1656), la Infanta Margarita Teresa ens mira amb una mirada imperial; i la Noia del Turbant de Perles (ca. 1665) ens mira als ulls mentre separa lleugerament els llavis. Quan mirem aquests retrats, no podem evitar sentir que aquestes figures són exaltades, majestuoses o a un pas de la divinitat. Però, com es suposa que ens hem de veure a nosaltres mateixos, per participar veritablement en aquest intercanvi silenciós, si els subjectes d’aquestes pintures no ens semblen mai?
Històricament, ha estat difícil per als membres de la diàspora africana veure’ns representats en aquest tipus de pintures. No obstant això, això està començant a canviar ja que artistes contemporanis com Kerry James Marshall, Kehinde Wiley, Amy Sherald, Henry Taylor, Jordan Casteel i altres estan al capdavant d’aquest gènere. La major visibilitat dels pintors figuratius negres ha provocat un canvi en el diàleg sobre la pintura i la identitat, i ha donat més oportunitats als artistes negres per exhibir les seves obres en llocs com “Art Figuratiu: Més Viu que Mai! Sis Artistes Figuratius Africans que Hauries de Conèixer”, una nova exposició a la Galeria OOA, que posa la pintura figurativa negra al capdavant del discurs sobre l’art contemporani. L’exposició mostrarà les obres de sis pintors de l’Àfrica, incloent Oluwole Omofemi, Ebenezer Akinola, Oliver Okolo, Opeyemi Matthew Olukotun, Daniel Onguene i Boris Anje (Anjel). Tots aquests artistes visuals utilitzen la pintura figurativa per interpretar el món que els envolta, creant representacions tendres que narren històries sobre els mons interiors dels seus subjectes, on abans havien estat exclosos.
“El art figuratiu té una importància profunda en el món de l’art africà contemporani”, va dir la directora de la galeria OOA, Sorella Acosta. “[Aquest] actua com un poderós mitjà a través del qual els artistes expressen narracions complexes, patrimoni cultural i comentaris socials. En la viva tela del paisatge artístic d’Àfrica, l’art figuratiu actua com un pont entre la tradició i la modernitat, oferint una fusió captivadora de temes ancestrals amb expressions contemporànies.”
Algunes obres de l’exposició exemplifiquen aquest complex comentari cultural. Per exemple, les “Erin Niguel earrings” (2022) de Boris Anje són representacions tendres de la feminitat negra, les figures d’aquesta obra estan dibuixades amb verds vius, fent que emanin amb un resplendor espectral. Ambdós subjectes del quadre porten arracades grans blaves i vermelles, fent que les dones semblin majestuoses, com si aquests elements de joieria les elevaran a un estatus reial.
Com escriu Sumiko Wilson a la revista Elle, “Portar arracades d’or gruixudes, brillants i cridaneres era una manera d’afirmar la pròpia identitat sense embuts en una societat que exigia a les dones de color que fessin el contrari i es redueixin. Així que no seria exagerat anomenar-les emblemes de resistència.”
Boris Anje (Anjel)
Altres obres de l’exposició, com “Of the Pink” (2023) d’Oluwole Omofemi, són igualment impactants i ofereixen representacions tendres de dones negres. Aquesta tela de 151 per 137 cm mostra una dona amb cabells curts davant d’un fons magenta. La subjecta té uns ulls grans i en forma d’orb; els seus llavis plens estan ajuntats; porta una vesta adornada amb un patró abstracte blau i rosa. Mira directament l’espectador, amb una determinació que és alhora assertiva i intrigant.
“El meu cor sempre ha estat una mena de reflexe de la meva existència, la meva comunitat i les coses que veig al meu voltant”, va dir Omofemi.
Nascut a Nigèria el 1988, Omofemi va estimar expressar la seva creativitat de petit, dibuixant imatges al terra de casa seva. Més tard, va utilitzar llibres de dibuix per perfeccionar les seves tècniques i va desenvolupar habilitats en pintura a l’oli i acrílic, exhibint finalment la seva obra en països com Lagos, Espanya, Itàlia, Bèlgica i Ghana.
Les obres més recents d’Omofemi són un testimoni de les seves habilitats virtuoses en la pintura. “Desire” (2023), que també és una peça que ha inclòs a l’exposició, sembla ser fidel al seu títol: la peça representa una dona que mira cap a l’horitzó, i sembla que hi ha un desig als seus ulls. Està dreta davant d’un fons vermell sòlid, que fa destacar els tons càlids de la seva pell i ajuda els espectadors a evocar emocions similars a les expressades al títol de la pintura. El vermell sovint s’associa amb la luxúria i la sensualitat, i els muscles nus del subjecte semblen suggerir una mena d’erotisme sense sexualitzar excessivament el subjecte.
“Puc interpretar [el món] de la manera que em sembla”, va dir Omofemi. “Així que, per a mi, l’art figuratiu és una mena de representació de la memòria o de les persones.”
Oluwole Omofemi
Altres artistes de l’exposició també utilitzen la figuració com a vehicle útil per explicar històries. Per exemple, Ebenezer Akinola utilitza tant el realisme com l’abstracció a la seva obra per “desafiar les nocions de raça, gènere, bellesa, identitat i política i espiritualitat africana contemporànies”, com va escriure a la seva biografia. Nascut a Ibadan el 1968, Akinola va obtenir una llicenciatura en pintura a la Universitat de Benín el 1989 i ha continuat desenvolupant les seves habilitats com a pintor des d’aleshores.
El seu quadre “Good Gall I” (2023) retrata una dona davant d’un fons de color mostassa. S’està asseguda en un banc rosa brillant, aguantant-se el cap amb la mà mentre ens mira astutament de reüll. Les característiques daurades del seu bossa negra es complementen perfectament amb els tons grocs del fons de mostassa. Aquests colors treballen junts per crear una sensació de cohesió; donen a la pintura una mena de qualitat dinàmica que manté l’ull de l’espectador en moviment al voltant de tot el quadre.
Ebenezer Akinola
La pintura “Serenity” (2023) d’Oliver Okolo utilitza el color per crear l’efecte contrari. “Good Gall I” (2023) d’Akinola utilitzava tons saturats per explicar una història vibrant sobre el subjecte del quadre, mentre que la tela d’Oloko presenta una narrativa més apagada banyada en grisos, verds suaus i marrons. “Serenity” mostra un jove que mira fixament l’espectador. El subjecte porta una samarreta verd oliva i un cabell alt, i els seus llavis estan ajuntats en una línia severa. El fons en blanc i els colors tranquil·litzadors ajuden a crear una sensació de calma, i l’expressió buida del subjecte anima l’espectador a trobar la mateixa mena de reflexió interna que té el subjecte.
“La sensació de pau és un concepte que tothom acaba volent en les seves vides en algun moment”, va dir Okolo. “Potser a mesura que es fa vell, volen una sensació de calma al seu voltant i volen sentir l’amor com mai abans. Això provoca la urgència d’explorar en la ment d’una persona que està realment en un estat serè de la seva ment. He utilitzat aquest retrat per examinar l’emoció i l’estat d’ànim d’una persona en un estat serè de la ment.”
Okolo utilitza sovint el retrat com a mitjà de comentari cultural. El pintor nigerià va néixer el 1992; de petit, somiava ser una estrella del bàsquet i un artista. Finalment, va fer realitat el primer somni, després de “començar a fer art amb llapis de carbur, així que quan vaig començar a introduir oli en la feina, vaig decidir mantenir tots els materials que m’agradava utilitzar en el procés de fer pintures”. Ara, com a adult, Okolo ha exposat la seva obra internacionalment, en països com Espanya, Suècia, els Estats Units i Nigèria.
Oliver Okolo
De manera semblant a Okolo, la obra de Opeyemi Matthew Olukotun, “In Between II” (2022), presenta un subjecte que aparentment està enmig d’una reflexió personal. La figura d’aquest retrat està dibuixada amb pinzellades impressionistes astutes. Porta una samarreta estampada de negre, vermell i blanc que compleix la textura apassionada de la seva pell. I els seus ulls són una font d’emoció; ens miren de reüll amb una mirada de costat que sembla suggerir que té una història seriosa per explicar-nos.
“El conjunt d’obres que he presentat en aquesta exposició expressa els meus pensaments i l’estat d’ànim en cada peça”, va dir Olukotun. “La majoria d’elles tracten sobre pensaments, sentiments i patriotisme, creant significats intencionats i més profunds que els retrats habituals. Aquestes obres poden transmetre diferents definicions o interpretacions als espectadors perquè veiem les coses de manera diferent.”
Nascut a Ipetu Ijesha, a l’Estat d’Osun, el 1989, Olukotun es va graduar a la Universitat de Tecnologia Ladoke Akintola, Ogbomoso, a l’Estat d’Oyo, Nigèria, amb una llicenciatura en Belles Arts i Arts Aplicades el 2012. Més tard, va començar la seva carrera com a professor d’art creatiu en una escola secundària i ha participat en diverses exposicions col·lectives a Nigèria des de llavors.
Opeyemi Matthew Olukotun
En contrast amb la obra d’Olukotun, “Saison de courage” (2022) de Daniel Onguene insinua una mena d’innocència. El quadre retrata un jove que porta llimones al cap. Les plantes vermelles emmarquen el cos del noi, i el subjecte mira cap a la distància amb una cara lleugerament perplexa.
“En conjunt, la meva obra es basa en la idea de desmarginalitzar aquells que queden enrere en la societat”, va dir Onguene. “Parlo d’una Àfrica que encara porta les cicatrius de l’imperialisme i en la qual els meus semblants i jo lluitem per existir.”
Nascut el 1995 a Bafoussam, Camerun, Onguene té una llicenciatura en Belles Arts i Història de l’Art amb especialització en pintura de l’Institut de Belles Arts de la Universitat de Douala a Nkongsamba. Des de l’inici de la seva carrera en belles arts, Onguene ha exposat a Barcelona, Espanya; Londres, Regne Unit; i altres llocs.
Daniel Onguene
Tots els artistes presentats en aquesta exposició han tret profit de les seves experiències úniques per teixir narratives complexes sobre la llar, les històries personals i la cultura africana. Utilitzen una varietat de tècniques per comentar sobre fenòmens culturals més amplis, cosa que esdevé especialment rellevant després de les recents discussions socials sobre raça i identitat després del moviment Black Lives Matter del 2020.
“Una de les raons principals per a la importància de l’art figuratiu en l’art contemporani africà radica en la seva capacitat per preservar i celebrar la rica diversitat de les cultures africanes”, va dir Acosta. “Mitjançant la representació de figures humanes, els artistes ret homenatge a les seves arrels, tradicions i costums. Aquestes representacions serveixen com a llenguatge visual, transmetent històries de resiliència, identitat i vincles comunitaris. L’art figuratiu es converteix en una eina a través de la qual el patrimoni multifacètic d’Àfrica es preserva i redefineix per a les futures generacions.”
